La Grande Lessive à celleneuve por Kaina-tv
La Gran Colada ® es el titulo de una instalación artística efímera.
La Gran Colada ® se refiere a un modo de exponer extendiendo, que promueve otra modalidad de exposición. Se trata también del hecho de reunir en un mismo lugar las creaciones y - de alguna manera las “pertenencias” - de una “familia” que no se conocía como tal hasta entonces.
La Gran Colada ® subraya al mismo tiempo la importancia de la firma de cada creación y el anonimato que prevalece en una manifestación de tal amplitud.
Las manifestaciones locales permitirán que exista esta obra concebida para desarrollar el vínculo social y suscitar el deseo de una práctica artística.
Instrucciones
1. Dos veces al año, se extenderán unas cuerdas para la ropa en lugares públicos: colegios, escuelas de arte, centros artísticos y museos, ayuntamientos, mediatecas, bibliotecas, hospitales, asilos, correos, edificios, centros comerciales, empresas y asociaciones...
2. Para participar, se precisa una inscripción colectiva por internet. En ese mismo sitio se publicará la lista de los participantes a la Gran Colada ®. Incumbe a cada establecimiento o colectivo anunciar y organizar localmente la Gran Colada ® según la modalidades indicadas en el sitio de la operación, para que todo el mundo tenga acceso al significado de la instalación y de la propuesta.
3. Ese día se propondrá a todos los usuarios del lugar que cuelguen una creación artística bidimensional de formato A4 con pinzas, si posible de madera natural. Se expondrán así, única y exclusivamente ese día, dibujos, pinturas, “collages”, fotomontajes, fotografías, poesía visual y/o escrita. En caso de exposición exterior con riesgo de lluvia, se protegerán las creaciones con fundas de plástico del mismo formato.
4. No se necesita ser profesional. Lo único que importa es el deseo de enseñar una creación artística que al autor le parezca digna de exponerse, ese día, en ese lugar. Todo el que desee podrá participar exponiendo una creación propia. Lo mismo se podrán exponer dos o tres creaciones como varias decenas o centenas.
5. En el caso de los establecimientos escolares, el objetivo de la Gran Colada ® consiste en reunir creaciones de alumnos padres, profesores y otros miembros del personal, sea cual sea su estatuto o su edad. Por tanto, las creaciones de los alumnos no se habrán hecho en clase, aunque se puedan organizar talleres para facilitar la elaboración y reunir a los participantes en un plan distendido.
6. Se autorizará una sola realización por creador. Las obras que se colgarán llevarán detrás los nombre y apellidos de su autor.
7. La altura a la que las obras estarán suspendidas variará en función del tamaño de los participantes, para que cada uno pueda colgar, mirar y descolgar sin problema su propia creación. Cada autor elegirá el lugar de exposición de su creación. No se podrá desplazar una realización para exponer otra.
8. La venta de realizaciones y la entrega de recompensa no son compatibles con la filosofía de la Gran Colada ®.
9. No se tendra por responsables a los organizadores de la Grand Colada ® en caso de desaparición o deterioro de algún trabajo.
10. Los organizadores podrán filmar o fotografiar la instalación. Se podrán difundir o publicar esos documentos dentro de un marco artístico o pedagógico, mencionando a la autora del proyecto (Joëlle Gonthier), a los contactos utilizados para llevarlo a cabo (establecimientos, administraciones, etc.), a los participantes (de manera colectiva), el lugar, la fecha y las condiciones de esta instalación. Todo aquel que desee remitir un documento al sitio de la Gran Colada ®, para que se publique, tendrá que respetar el derecho a la imagen de las personas, poner un título a su creación y fecha. Los autores tendrán que aceptar así mismo que se publiquen gratuitamente esos documentos, dado el objetivo de esta iniciativa
11.La Gran Colada ® es una marca registrada por su autor en el I.N.P.I (Instituto de la Propiedad Industrial).
12. El hecho de participar en la Gran Colada ® supone aceptar el concepto y sus modalidades.
Para mas informacion ver www.lagrandelessive.net o contactar con nosotros.
Mostrando entradas con la etiqueta exposiciones. Mostrar todas las entradas
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Exposición: Genealogías del arte, o la historia del arte como arte visual @fundacionmarch
Madrid, 11 octubre, 2019 – 12 enero, 2020
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| Alfred. H. Barr Jr., Diagrama de la evolución estilística del arte de 1890 a 1935 en la sobrecubierta de Cubism and Abstract Art. New York: The Museum of Modern Art, 1936. Archivo Lafuente |
Si la historia del arte se compone de objetos mayoritariamente destinados a ser vistos, ¿no debería ser también muy visual el modo de contarla? El caso es que no ha sido así, porque en ese relato ha prevalecido la narración textual y abstracta sobre la visual y concreta.
La exposición Genealogías del arte, o la historia del arte como arte visual trata de compensar este hecho […] Para ello, ha propuesto, a modo de experimento, la materialización de una de esas representaciones, en concreto, el célebre diagrama que Alfred H. Barr, Jr., fundador en 1929 del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y su primer director, compuso para la sobrecubierta del catálogo de una muestra pionera, Cubism and Abstract Art (1936), y en el que explicaba la evolución estilística del arte desde 1890 a 1935.
[…]
[La parte central de la exposición presenta] obras de artistas de vanguardia como Pablo Picasso, Constantin Brancusi, Kazimir Malévich, César Domela, Francis Picabia, Robert Delaunay y Vasili Kandinsky, entre otros. Entre las piezas presentadas en esta sección se encuentran algunas obras que estuvieron presentes en la exposición original de Barr, como Landscape with Two Poplars [Paisaje con dos chopos], 1912, de Vasili Kandinsky y Femme dans un fauteuil [Mujer en un sillón], 1929, de Pablo Picasso.
[En la primera y tercera parte se recogen] más de un centenar de documentos de doscientos treinta artistas y autores relacionados con el pensamiento visual, e incluye las más variadas representaciones visuales de ese pensamiento (árboles genealógicos, tablas, alegorías, mapas, planos, estampas, diagramas y gráficos informativos) elaboradas en un lapso temporal que va desde el siglo XVII hasta hoy, y que recogen genealogías del arte del Renacimiento a nuestros días.Más información en Fundació Juan March
Exposición: El juego del arte. Pedagogías, arte y diseño @fundacionmarch
22 marzo – 23 junio 2019. Fundación Juan March. Madrid.
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| Maria Montessori, Bloques matemáticos para realizar ejercicios de psicoaritmética, c. 1890. Colección Juan Bordes, Madrid. © Foto: Dolores Iglesias |
Precisamente este es el relato pretendido por El juego del arte. Pedagogías, arte y diseño, una exposición que quiere hacer patente cómo las novedosas pedagogías del siglo XIX más radicalmente basadas en el juego y en la experiencia del "dibujo para todos", inspiradas por el Emilio (1762) de Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) y cuyo destilado más conocido quizá sea el sistema del Kindergarten de Friedrich Froebel (1782-1852), han sido un germen tan eficiente como desatendido del gran cambio introducido en la tradición por el arte moderno, junto con la emulación de la tradición artística (o la ruptura con ella), el conocimiento de otras culturas y épocas o la influencia de la literatura y las corrientes intelectuales del momento.
La muestra quiere, pues, hacer visible que la génesis del arte moderno también se encuentra en la infancia de sus protagonistas y en la educación que recibieron.Más información en la Fundación Juan March
Barceló: Cuaderno de barro. vía @rtve
El documental, realizado por RTVE, muestra el proceso de creación de varias obras del artista Miquel Barceló en Mali, y como ese proceso de creación se retroalimenta del espacio y sus habitantes. Accede aquí
Puedes aprovechar a verlo en Salamanca hasta el 1 de octubre en el contexto de la exposición Miquel Barceló. El arca de Noé, que ofrece un recorrido a través de las obras creadas en los últimos 17 años por el artista mallorquín, diseñador del logotipo de la efeméride del VIII Centenario de su fundación de la Universidad de Salamanca (ver)
Un momento de felicidad. José Freixanes. Rabat. Nov 2016
Se trata de una instalación concebida a lo largo de 8 meses a través de una actividad en la que han participado más de 25 estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de Granada que vivieron el conocimiento de ambas culturas a través de esta experiencia colectiva.
Diez de ellos han llevado a cabo en Rabat la instalación de la obra. En ella se trata de aglutinar una serie de conceptos como son: educación, cultura, conocimiento y creatividad, entendidos como la única vía posible hacia la comprensión de un inevitable futuro globalizado.
(Accede al documento en pdf) o sigue leyendo un resumen en el desplegable
MuMo: un fascinante museo móvil para los niñ@s
El propósito de esta iniciativa itinerante, ideada por la comisaria Ingrid Brochard, es acercar a los más pequeños el arte contemporáneo a través de 14 obras especialmente creadas para ellos por artistas de renombre internacional entre los que se encuentra el mallorquín Miquel Barceló.
Este original y enorme camión concebido como museo móvil consta de cuatro espacios diferenciados y dos plantas dedicadas a la pintura, la escultura, la instalación, el vídeo o el diseño para sumergir a los niños y niñas en universos diferentes desde los que acercarse al arte de forma libre. De esta forma, a través del museo y de los talleres creativos que complementan las visitas, se busca enseñar a aprender a mirar con la imaginación y entender el arte como algo cercano.
El museo ha recorrido nuestro país desde septiembre. En Enero visitará Castilla y León, así como Galicia. (ver)
Matisse: Pintar con tijeras
Exposición en la Tate Modern (Londres) del 17 de abril al 7 de septiembre
En 1941 una delicada operación quirúrgica dejó postrado a Matisse en una silla de ruedas, algo que le impedía pintar como lo había hecho. La técnica que ideó para dar respuesta a ese problema es la de "pintar con tijeras", un nuevo lenguaje visual elaborado a base de recortes de papel pintados en tonos brillantes.
Los cut-outs dejaron de ser meras plantillas de sus cuadros y esculturas para convertirse en un modo de representación en sí mismo. A esa última y prolífica etapa dedica la Tate Modern la primera exposición que ha conseguido reunir el grueso de los trabajos con los que el artista francés pretendió (entre 1936 y 1954) “esculpir” el color. (más en El País)
En nuestro libro Tocar el Arte puedes ver la propuesta Cortar en vivo el color. El recortado que comienza con la siguiente cita de Matisse: "Con un simple tijeretazo uno puede expresarse tan bien como dibujando o pintando".
En 1941 una delicada operación quirúrgica dejó postrado a Matisse en una silla de ruedas, algo que le impedía pintar como lo había hecho. La técnica que ideó para dar respuesta a ese problema es la de "pintar con tijeras", un nuevo lenguaje visual elaborado a base de recortes de papel pintados en tonos brillantes.
Los cut-outs dejaron de ser meras plantillas de sus cuadros y esculturas para convertirse en un modo de representación en sí mismo. A esa última y prolífica etapa dedica la Tate Modern la primera exposición que ha conseguido reunir el grueso de los trabajos con los que el artista francés pretendió (entre 1936 y 1954) “esculpir” el color. (más en El País)
En nuestro libro Tocar el Arte puedes ver la propuesta Cortar en vivo el color. El recortado que comienza con la siguiente cita de Matisse: "Con un simple tijeretazo uno puede expresarse tan bien como dibujando o pintando".
Henri Matisse: The Cut-Outs
Tate Modern (London) 17 April – 7 September 2014
In his late sixties, when ill health first prevented Matisse from painting, he began to cut into painted paper with scissors to make drafts for a number of commissions. In time, Matisse chose cut-outs over painting: he had invented a new medium. From snowflowers to dancers, circus scenes and a famous snail, the exhibition showcases a dazzling array of 120 works made between 1936 and 1954. Bold, exuberant and often large in scale, the cut-outs have an engaging simplicity coupled with incredible creative sophistication. More information: Tate Modern
In his late sixties, when ill health first prevented Matisse from painting, he began to cut into painted paper with scissors to make drafts for a number of commissions. In time, Matisse chose cut-outs over painting: he had invented a new medium. From snowflowers to dancers, circus scenes and a famous snail, the exhibition showcases a dazzling array of 120 works made between 1936 and 1954. Bold, exuberant and often large in scale, the cut-outs have an engaging simplicity coupled with incredible creative sophistication. More information: Tate Modern
Exposición educativa. Y tú, ¿qué coleccionas?
Ya hemos subrayado en nuestro libro la importancia de desarrollar, desde las edades más tempranas, una mirada estética sobre los objetos cotidianos y poner en marcha la práctica de museos personales y/o de clase.
¿Cómo participar? Enviando a educación@artium.org una fotografía de tu colección con una descripción en dos líneas sobre lo que te motivó a iniciarla
Mas información en Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz ARTIUM
Ser en el Tiempo. La nueva exposición de Enter-Arte
El Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada acoge el trabajo realizado por escuelas infantiles, colegios e institutos, así como asociaciones vecinales o facultades de educación en torno al tiempo vivido, el ser y la vida.
Inauguración:
Día jueves 10 de mayo, a las 20:00h.
• “Minuto”. Acción por Raúl Díaz-Obregón.
• “Tiempo de escritura”. Intervención en el espacio que funcionará como un libro de visitas durante toda la exposición. Relojes de cartón pluma.
Otras convocatorias durante la exposición SER EN EL TIEMPO:
Día 19 de Mayo de 11:00h. a 14:00.
• “Ser en el tiempo, ser en la acción”. Talleres y pasatiempos con motivo del Día Internacional de los Museos.
Día 24 de mayo de 18:30 a 20:30
• “Tiempo, Arte y Escuela”. Mesa redonda: con Javier Abad, Javier Alkaín, Julio Romero y el departamento educativo del CA2M. Modera: Goya Batalla.
Lugar: Sala de exposiciones.CENTRO DE ARTE TOMÁS Y VALIENTE C/ Leganés, 51 - 28945 Fuenlabrada (Madrid) - Estación de tren: La Serna Horario: Lunes a Sábados de 10 a 14 h. y de 17 a 21 h. Domingos y festivos de 17 a 21 h.
Día jueves 10 de mayo, a las 20:00h.
• “Minuto”. Acción por Raúl Díaz-Obregón.
• “Tiempo de escritura”. Intervención en el espacio que funcionará como un libro de visitas durante toda la exposición. Relojes de cartón pluma.
Otras convocatorias durante la exposición SER EN EL TIEMPO:
Día 19 de Mayo de 11:00h. a 14:00.
• “Ser en el tiempo, ser en la acción”. Talleres y pasatiempos con motivo del Día Internacional de los Museos.
Día 24 de mayo de 18:30 a 20:30
• “Tiempo, Arte y Escuela”. Mesa redonda: con Javier Abad, Javier Alkaín, Julio Romero y el departamento educativo del CA2M. Modera: Goya Batalla.
Lugar: Sala de exposiciones.CENTRO DE ARTE TOMÁS Y VALIENTE C/ Leganés, 51 - 28945 Fuenlabrada (Madrid) - Estación de tren: La Serna Horario: Lunes a Sábados de 10 a 14 h. y de 17 a 21 h. Domingos y festivos de 17 a 21 h.
Exposición "Pensar con las Manos". Castilleja de la Cuesta
Vik Muniz en Avignon
Entrevista Vik Muniz por artforbreakfast
La ciudad francesa acoge una retrospectiva del artista brasileño, Vik Muniz, conocido por sus recreaciones de obras de Van Gogh, Cézanne, Picasso, Warhol y otras grandes figuras de la historia del arte. El trabajo del artista se basa en la utilización de materiales no convencionales (lana, ketchup, chocolate, pigmentos, revistas troceadas, plantas secas, basuras…) que luego fotografía. Como parte of la exposición The Imaginary Museum, ha llevado a cabo un proyecto compartido con alumnos de los colegios de la localidad para crear una monumental nueva obra en la Iglesia de los Célestins.
En la entrevista que encabeza el post puedes oir (en francés) y leer (en inglés) la interesante visión que aporta sobre el papel del arte. En ella se menciona la película Waste Land, una película realizada por Lucie Walker que, durante tres años, ha seguido al artista en un proyecto de hacer participar a los buscadores de basura del mayor vertedero del mundo a cielo abierto (situado en Brasil) en la creación de obras de arte a partir de los objetos recogidos [+].
¿Como has llegado a la obsesión de crear con todo tipo de materiales naturales?
Si hago un retrato con un lápiz utilizo un accesorio convencional para hacer esta representación. El dibujo será juzgado por el grado de similitud. Si se parece, la gente dirá que es un buen dibujo.
Pero si hago el mismo retrato con miel y abejas alrededor diremos "¿Cómo lo ha hecho? La pregunta será diferente. Cuando dibujas con materiales no convencionales no tienes personajes sino teatro.
Fuente: Encrer le monde Web de Vik Muniz. Web de la película Waste Land en el enlace
Rusia en Madrid
En primer lugar "La Caballería Roja. Creación y poder en la Rusia soviética de 1917 a 1945", una exposición que hace un interesantísimo análisis sobre el sentido del arte y su utilzación al servicio de las ideas políticas (en concreto de la Rusia soviética). Encontramos obras de Kandinski, Rocdchenko, Malevich, los constructivistas o el realismo socialista junto a videos, textos… No te pierdas los instrumentos musicales interactivos. Estará hasta mediados de enero en La Casa Encendida
En segundo lugar "El Hermitage en el Prado" permite contemplar ciento setenta obras del museo ruso que mostrarán la variedad y amplitud artística y cronológica de sus colecciones desde el siglo V a.C. hasta el siglo XX, propiedad del Museo del Hermitage (San Petersburgo).
Tiziano, Ribera, Velázquez, Durero, Rubens, Watteau e Ingres así como notables ejemplos de pintura impresionista y post-impresionista (Monet, Cézanne, Renoir, Gauguin y Matisse). Y obras de Picasso, Kandinsky y Malevich.
Giacometti en el Museo Picasso de Malaga
Para saber mas, haz click en el enlace del programa de tve Miradas 2 dedicado al artista.
El Museo Thyssen celebra el centenario de Matta
Para ello ha realizado una instalación con cinco obras de gran formato que componen el ciclo L'Honni aveuglant (El proscrito deslumbrante) creando un cubo que envuelve al visitante.
El montaje reproduce exactamente el modo en que el artista lo presentó por primera vez en la Galerie Alexandre Iolas de París, en 1966. Junto a ellas, se expone también otra pintura de Matta de la colección del Museo: Sin título, 1942-1943.
Roberto Matta, considerado el último de los pintores surrealistas, nació en Santiago de Chile en 1911. A comienzos de la década de los 30 en su visita a Europa trabaja con Le Corbusier y coincide con André Breton, Magritte, Marcel Duchamp o Picasso.
El cubo abierto se encuentra en la Sala de Exposiciones Contexto en el Balcón-Mirador de la Planta Primera del Museo Thyssen.
Se puede visitar, de forma gratuita, hasta el 23 de octubre de 2011.
Museo Thyssen
Vídeos de las performances de Yves Klein
En Madrid hasta junio de 2011
La galería Cayón de Madrid inauguró a mediados de mayo, la exposición Vídeos y performances, de Yves Klein (1928-1962), reconocido por la crítica e historiografía (sobre todo a partir de la década de 1980) como precursor de movimientos como el minimal, el arte conceptual o el mismo happening.
Hasta ahora nunca se había dedicado una muestra en exclusiva a los vídeos y performances de Klein. En esta exposición se proyectarán los vídeos conservados por los archivos Klein en París, de los cuales se han editado copias especiales. Desde las Propositions monochromes (1957) a las célebres antropometrías de 1960 y 1961, en las que el artista es plenamente consciente del poder de la grabación y por tanto –en palabra que tanto gusta al mismo Klein– "inmaterialización" del artista.
El vídeo como medio y fin
No se trata ya del vídeo sin más del acontecer de un creador (como sucede en la grabación de Hans Namuth con Jackson Pollock como protagonista); se trata del vídeo como medio –y fin– de creación, con el que Klein, con su elegante vestimenta, su mirada a la cámara como increpando al veedor y su conducta en ocasiones ciertamente teatral, con los apartes de rigor y todo, sabe que lo que se proyecta es ya en sí una obra, una creación que además muestra el nacimiento de una segunda, caso de las antropometrías.
Por otro lado, a través de diferentes imágenes y documentos procedentes de diversas colecciones, se realiza un recorrido por las diversas performances del artista. Estos acontecimientos eran considerados por Klein como absolutamente fundamentales; tan es así que su más temprana obra es ya protoconceptual, cuando se apoderó y firmó el cielo azul de Niza en 1948.| Fuente Hoy es Arte
Yakoi Kusama en el MNCARS hasta el 12.09.2011
Yakoi Kusama (Matsumoto, Japón, 1929) es probablemente la artista viva más conocida de su país. En la completísima restrospectiva que presenta el Reina Sofía podemos sumergirnos en una producción exploradora y rompedora a través de la pintura, la escultura, el fotocollage, las performances, happenings y el dibujo…
Su estancia en EEUU desde 1957 hasta 1973 la pone en contacto con el arte pop y con el movimiento hippy que influiran en su obra. La exposición está llena de sugerentes obras que aportan una diversidad de técnicas, miradas y temas como el ser "forastera" o el infinito (fascinante la instalación Infinity Mirror Room—Phalli's Field).
«Para un arte como el mío —arte que combate en la frontera entre la vida y la muerte y que cuestiona lo que somos y lo que signfica vivir y morir— Japón resultaba demasiado pequeño, demasiado servil, demasiado feudal y demasiado desdeñoso con las mujeres. Mi arte necesitaba una libertad más ilimitada y un mundo más amplio».
Más en el MNCARS
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